Szenen vom Pitchfork Fest 2023 // The Observer

Claire Lyons | Mittwoch, 30. August 2023

Das haben Sie beim Pitchfork Fest 2023 verpasst.

Leadsängerin Molly Rankin sang während ihres herzzerreißendsten Bridge-Abschnitts von „Blue Rev“, ihrem neuesten Album, leise ins Mikrofon: „Moving to the Country / Gonna have that baby / Wait tables in town / I know message gets around.“ Die junge Frau neben mir, die sich zuvor auf ein Kreuzworträtselbuch konzentriert hatte, stimmte ein: „Aufs Land ziehen / Ich werde dieses Baby bekommen / Sehen Sie, wie es geht / Sehen Sie, wie es wächst.“

Mit Texten, die an The Chicks in ihrer besten Form erinnern, und mit expliziten Anspielungen auf Belinda Carlisles „Heaven is a Place on Earth“ ist Alvvays' kreative Vision von Nostalgie geprägt. Während ihr Dream-Pop-Sound aktuell ist, wirken die Verzerrung ihrer Gitarre und Rankins Engelsstimme eher wie eine Erinnerung als ein Traum.

Bester Live-Track:

Es ist Noise-Rock; Weniger würde man von Radiohead-Frontmann Thom Yorke nicht erwarten.

The Smile ist fast ausschließlich für Radiohead-Fans. Die Leute, die in der Menge standen, hörten The Smile nicht wirklich zu. Sie hörten beiläufig Yorkes neue experimentelle Musik im Hintergrund zu. Sie unterhielten sich und machten sich hauptsächlich über Yorkes charakteristische Kopfbewegungen und winkende Arme lustig.

Ein Mann, der ein übergroßes weißes Radiohead-T-Shirt und Shorts bis über die Knie trug, tanzte die ganze Nacht durch und hatte dabei nur zwei Bewegungen zur Verfügung. Ich hoffe, er hatte eine gute Nacht, denn meine hat er auf jeden Fall gemacht.

Bester Live-Track:

Die Stille am Set von King Krule wurde von Hyperventilation unterbrochen.

Ein Mädchen stand in der Menschenmenge in der Nähe, hielt ein selbstgemachtes Eisstiel-Schild mit dem Gesicht von König Krule in der Hand und weinte unkontrolliert. Ihr scharfkantiger Eyeliner war von den Tränen, die ihr übers Gesicht liefen, leicht verschmiert.

„Ich kann nicht glauben, dass er es wirklich ist“, sagte sie und umklammerte atemlos die Schulter ihrer Freundin.

Und ja, er war es, der den ganzen Weg aus England kam. King Krules hallende Stimme, die klaren Töne seiner Gitarre und das manchmal überwältigende Klopfen des Basses schienen aus einem dunklen und jenseitigen Grenzraum aufgetaucht zu sein – eher wie ein leidenschaftlicher Straßenmusikant auf einer leeren U-Bahn-Plattform als wie ein Hauptbühnenkünstler beim Pitchfork Fest. Die Band wirkte wie eine wilde Truppe von Freunden, die man irgendwo im hinteren Teil einer Kneipe findet. Der Saxophonist Ignacio Salvadores stand sogar barfuß auf der Bühne.

Es fühlte sich an, als hätten sich King Krule und sein düsterer, genreübergreifender Punk-Jazz-Sound aus der schmutzigen Londoner U-Bahn – sowohl der U-Bahn als auch der Musikszene – herausgekämpft, nur um hier zu sein.

Seine Fans kämpften darum, auch hier zu sein, und sammelten genug Geld, um sich den teuren Samstags-Tagespass im Wert von 165 US-Dollar zu sichern. Ein Fan, Seijii Robinson, sagte: „Viele von uns haben ihre Tickets nur gekauft, um [König Krule] speziell zu sehen.“ Ein anderer Fan flog sogar aus New York mit der Absicht, sein Set zu sehen; Es ist leicht zu verstehen, warum.

King Krule verhält sich wie ein Besessener. Er blickt ständig in die Ferne, während er ins Mikrofon singt, manchmal blinzelt er plötzlich und schnell. Er beendete ein Lied, legte die Hände auf den Kopf (als hätte er plötzlich eine Migräne) und nippte beiläufig an einem 312 Lemonade Shandy (als wollte er die Schärfe abschwächen). Aufzutreten scheint für ihn eine unglaubliche emotionale Belastung zu sein und gleichzeitig das Einzige auf der Welt, das er gerne tun würde.

Aber ich glaube wirklich, dass er es für die Fans tut.

Ein paar junge Leute auf der Barrikade schrien Liedtexte und stahlen die Worte direkt aus Krules goldgezahntem Mund: „Wenn Positivität schwer zu erreichen scheint / halte ich meinen Kopf gesenkt und den Mund / Denn wenn du durchmachst Hölle / Du machst einfach weiter!“

Bester Live-Track:

Weyes Blood ließ sich von dem Marienkäfer, der ihr Interview unterbrach, aus der Fassung bringen. Sie hielt mitten im Satz inne, lachte und zeigte einem Redakteur des Pitchfork-Magazins und dem Publikum ihre Hand. Der Käfer saß perfekt auf ihrem Fingerknöchel wie ein Ring.

„Buck Meek [von Big Thief] hat es mir gegeben“, sagte sie. „Ich denke, ich werde es eine Weile hier bleiben lassen.“

Dann wurde ihr Interview erneut durch eine Naturgewalt unterbrochen, aber dieses Mal war es ein Blitz.

Später am Tag, nachdem der Sturm vorüber war, drehte ich meinen Kopf und ging auf Zehenspitzen, um sie auf einem Monitor an den Köpfen in der Menge vorbei zu sehen. Ihre engelhafte und fesselnde Stimme – ganz wie eine moderne Joni Mitchell – trug die Brise des späten Juli weiter. Weyes Blood zog ein bodenlanges weißes Kleid mit Umhang an, gestikulierte zum Himmel und sang Töne, die fast bis in den Himmel reichten.

Von meinem Platz in der Menge aus fragte ich mich kurz, ob der Marienkäfer immer noch zart auf ihrem Finger ruhte.

Bester Live-Track:

„Können wir den Rauch stoppen?“ Adrianne Lenker, Leadsängerin und Songwriterin von Big Thief, fragte sanftmütig ins Mikrofon. Dann lachte sie leise und deutete im Dunkeln auf das Publikum. „Ihr nicht. Wir meinen die Nebelmaschine.“

Big Thief nahm sich selbst bei ihrem Pitchfork-Fest-Set nicht so ernst, und das Publikum auch nicht.

Jedes Big Thief-Mitglied war so gekleidet, als ob es an einer anderen Veranstaltung teilnehmen würde – Lenker sah aus, als hätte sie gerade eine Pause vom Heuballenpressen auf einem Bauernhof gemacht, Gitarrist Buck Meek trug einen zerzausten Anzug à la Matty Healy, Schlagzeuger James Krivchenia passte zu den Beatles ' „Sgt. Das Cover des Albums „Pepper's Lonely Hearts Club Band“ war perfekt und Bassist Max Oleartchik war als Wassermann verkleidet (was zu einigen kleineren Komplikationen führte, als er versuchte, auf die Bühne zu gehen).

Die Hälfte des Sets bestand aus komplett neuen Songs, an denen die Indie-Rock-Band für ein kommendes Album gearbeitet hat. Einige davon wurden zum ersten Mal live gespielt, was dazu führte, dass Lenker mitten im Lied einen Auftritt abbrach und kommentierte: „Das fühlt sich nicht richtig an.“

Später wurden sie dafür auf Twitter scharf kritisiert.

Bei allem Respekt: ​​Wenn die Band das Set nicht ernst nimmt und das Festival sich selbst nicht ernst nimmt und gleichzeitig hohe Preise verlangt, warum sollte das Publikum dann das tun?

– Matt Elliott (@MonarchosMatt) 23. Juli 2023

Von meinem Platz an der Barrikade aus konnte ich die Leute nicht hören, die sich über den Auftritt von Big Thief unterhielten, aber angeblich waren es viele. Wenn ich objektiv bleibe, kann ich verstehen, warum: Die Kombination aus neuen Liedern und den komplexen Texten der alten machte es schwierig, mitzusingen.

Aber ich saß einfach voller Ehrfurcht da und hatte ein breites Lächeln im Gesicht. Ich war etwa 30 Meter von Adrianne Lenker selbst entfernt und sah zu, wie ihre Finger komplexe Gitarrenriffs makellos hinbekamen, als wäre es nichts. Eine Band, die viermal für den Grammy nominiert ist, muss sich selbst nicht ernst nehmen. Sie wollen einfach nur Musik spielen und die Leute dazu bringen, zuzuhören. Lenker möchte sowohl die Herzen ihrer Gitarre als auch die des Publikums berühren.

„Big Thief“ ist nicht dafür gedacht, auf einem Festival gesehen zu werden. Sie sollen in einem sanft beleuchteten, überfüllten Raum spielen, umgeben von Freunden und Familie – Menschen, die es verstehen. Sie sollen so nah sein, dass ich, wenn ich rufe: „Du siehst so schön aus!“ Sie antworten mit „Danke.“

Bester Live-Song:

„Pitchfork hat mich verdammt ghettoartig aussehen lassen!“ Schrie JPEGMAFIA ins Mikrofon.

Sein Computer, auf dem sich alle selbstproduzierten Beats befanden, die sein Rappen untermauern, war in der Mittagshitze überhitzt. Anscheinend war die reflektierende Alufolienabdeckung, die sein Setup bedeckte, nicht ausreichender Schutz.

Um dem Techniker etwas Zeit zu geben, seinen Computer wieder hochzufahren, sang er eine A-capella-Version von Carly Rae Jepsens „Call Me Maybe“.

JPEGMAFIA ist dafür berüchtigt, solche Dinge zu tun – das heißt Trollen. In einem Interview während des Festivals sagte er, er besitze KKK-Merchandise, „weil es lächerlich ist“ und sei enttäuscht, dass er „nirgendwo etwas habe, wo er es tragen könne“. Er behauptete auch, dass, wenn er ein Musikfestival veranstalten würde, dieses von Viagra gesponsert würde.

Seine beunruhigende Missachtung des Status Quo mag manchen Leuten auf die Nerven gehen, aber letztendlich ist es das, was JPEG einzigartig macht. Er ist unglaublich erfrischend inmitten der zurückhaltenden Art anderer Pitchfork-Fest-Künstler und ist zweifellos authentisch und kompromisslos er selbst – auch wenn das bedeutet, dass er mitten im Auftritt seine Hose auszieht.

Seine Musik folgt diesem Beispiel und verstößt bewusst gegen die unausgesprochenen Regeln der Musikindustrie. Seine unkonventionelle DIY-Herangehensweise an die Musik, die er hauptsächlich selbst produziert, macht „Huren Angst“ (und darauf ist er stolz). Nachdem er beim Militär gedient hat und in den Projekten aufgewachsen ist, denkt er, dass die Orientierung in der Musikindustrie „wie ein Kinderspiel“ sei. Kurz gesagt, es ist ihm egal, was andere über ihn denken. Er muss sich um größere Dinge kümmern.

JPEGMAFIA ist eine befreiende Kraft. Auf der Bühne sagt er, was er will, und bewegt sich hektisch umher. Seine Fans ziehen bei über 90 Grad Hitze Latex-Shrek-Masken an, um in einem staubigen Moshpit Schläge zu werfen. Er erschafft im Alleingang eine Welt ohne Gesetze, oder besser gesagt, er erschafft eine Welt trotz ihnen.

Bester Live-Track:

Die Menge, die auf den Beginn von Bon Ivers Auftritt wartete, sah aus wie etwas aus einem REI-Katalog. Viele Leute hatten den ganzen Tag über an der Barrikade gecampt, um die Band zu sehen, und trugen echte Campingausrüstung, um ausreichend Flüssigkeit zu sich zu nehmen – zu viele Nalgenes, die mit Karabinern an Gürtelschlaufen befestigt waren, und Camelbak-Rucksäcke, als dass ich sie aufzählen könnte.

Bon Iver-Fans bewegen sich irgendwo auf der Grenze zwischen dem Naturliebhaber Alexander Supertramp und dem Synthesizer-Liebhaber Kanye West, wie der Mann vor mir zeigt. Seine gelben Columbia-Klettershorts schmiegten sich an seine Hüftspecks. Sein Nasenpiercing glitzerte leicht im Dunkeln. Während er redete, gestikulierte er schnell in Richtung seines Freundes und ließ Armbänder an seinen Armen auf und ab fliegen.

Aber ich gebe zu, dass ich bei „Holocene“ die ein oder andere Träne (definitiv mehr) vergossen habe, wie die anderen auch.

Der Bass war schwer genug, um einem das Herz aus der Brust zu schütteln. Die Synthesizer übertrafen alles, woran Sie vielleicht gedacht haben. Es war eine meditative Erfahrung, ähnlich wie ein Kirchenbesuch.

Der mit Abstand beste Song des Sets war „Blood Bank“. Während der Bridge, gegen Ende, drehte Frontmann Justin Vernon der Menge den Rücken zu. Die Bühne war voller Nebel. Alles war weiß und verschwommen. Alles, was Sie sehen können, ist seine Silhouette, die im Takt der Musik auf und ab hüpft, und es ist, als würde man einen Blick auf Gott erhaschen.

Sean Carey, der vom Schlagzeug aus zu Frontmann Justin Vernon aufsah, hatte so viel Freude im Gesicht – wie konnte er das auch nicht? Es ist ein Segen, einen Musiker von seiner besten Seite zu sehen, der Raum, Zeit, Vernunft und sogar die Menschheit überschreitet und den Rand von etwas Größerem und Unendlicherem berührt.

Nach dem Set war ich sprachlos und wischte mir die Tränen weg.

"Erstes Mal?" sagte der Typ neben mir.

Ja. Ja, war es.

Bester Live-Track: